Filmer est inné pour certains mais ce n’est pourtant pas si évident. Obtenir une prise de vue de qualité nécessite le respect de certaines règles cinématographiques et la connaissance de certains aspects techniques.
De manière générale, la vidéo et la photo utilisent des techniques semblables, voire identiques. Dans cet article, découvre quelques règles clés sur les différentes prises de vue en vidéo !
Table des matières
1. Conseils pour faire des vidéos comme un pro
#1 Veillez à avoir une bonne composition d’image
Respectez la règle des tiers pour une composition d’image parfaite
#2 Privilégiez les plans larges
En effet, filmez vos plans légèrement plus larges permettra par la suite une correction au niveau du cadrage, cela peut vous éviter quelques tracas ultérieurs.
#3 Utilisez 2 caméras
Dans le cadre d’une interview, utilisez au moins deux plans, un large et un serré afin d’obtenir un montage dynamique. Ceci s’applique à d’autres types de vidéos mais est nécessaire dans le cas d’une prise de vue plus statique.
#4 Choisissez bien vos acteurs !
En effet, vous pouvez réaliser les meilleurs plans au monde, si le jeu d’acteur ne suit pas le résultat sera forcément en dessous de vos attentes. Ainsi, que vous réalisiez une vidéo interview ou un court-métrage veillez à ce que vos acteurs s’entraînent et imprègnent les personnages.
Composition d’image, règles des tiers, plans, cadrage,… On t’explique tous ces termes techniques dans la suite de l’article.
2. L'échelle des plans
Tout d’abord, le plan est une micro séquence qui “place le contexte” pour les téléspectateurs. Ce plan comprendra les éléments qui doivent être mis en avant, il permettra une meilleure compréhension de la scène qui suit.
Le réalisateur doit maîtriser l’échelle des plans afin de donner une proportion et une grandeur mesurée aux personnages par rapport au cadre.
#1 Le très gros plan – TGP-
Le très gros plan va en général se focaliser sur une partie précise du visage par exemple, afin de donner de l’intensité à la scène.
#2 Le gros plan – GP-
Le gros plan servira à concentrer l’intérêt sur un objet ou ici, un visage. Avec le gros plan nous pouvons apercevoir le fond du décor, mais il est difficile, voir impossible, de situer l’action.
#3 Le plan poitrine -PP-
Le plan poitrine permet d’avoir une vue progressivement plus globale de la scène. Encore une fois, il ne faut pas couper n’importe où. L’endroit idéal est juste en dessous de la poitrine.
#4 Le plan rapproché -PR-
Le plan rapproché est le dernier plan qui permet encore d’apercevoir suffisamment le décor pour introduire une action sans perdre le téléspectateur. Dans ce type de plan le personnage est coupé à hauteur de la taille.
#5 Le plan américain -PA-
Dans le plan américain, attention à ne pas couper une personne à hauteur des genoux, juste au-dessus est une meilleure option pour un meilleur rendu. Cette grosseur de plan permet une gestuelle plus importante. Si le personnage doit réaliser de grands gestes, il faudra privilégier ce type de plan. Le nom de ce plan vient justement des films Western, il laisse tout juste apparaître le pistolet!
#6 Le plan moyen -PM-
Le plan moyen cadre le personnage dans son entièreté. Le téléspectateur a ainsi une vision complète de la personne visée.
#7 Le plan d’ensemble -PE- ou plan général -PG-
Le plan d’ensemble, également appelé plan général, met en contexte et établit l’ambiance globale. C’est généralement un des premiers plans utilisés car il permet une compréhension plus aisée de la scène.
3. L'angle de prise de vue
L’angle de prise de vue désigne l’orientation de la caméra sur un plan vertical. Celui-ci influence la perception du spectateur.
Ce qui signifie que, selon la prise de vue, un même sujet permet une perception différente des plans. Il est donc primordial de choisir son angle de prise de vue selon l’intention désirée.
#1 Le Frontal
Dans le plan frontal, la caméra est disposée parallèlement au sol et à hauteur des yeux du sujet filmé. Ce plan est le plus classique, il est perçu comme neutre par le téléspectateur.
#2 Le champ-contrechamps
Le champ-contrechamps s’utilise principalement lors d’un dialogue entre deux personnages. L’objectif est de faire croire au téléspectateur que ceux-ci se trouvaient exactement face-à-face lors de l’échange. Pour se faire, c’est principalement la position et l’angle des caméras qui importe. Cette technique applique la loi des 180°. Elle permet une compréhension plus claire de la scène et est, de ce fait, beaucoup utilisée en cinéma. Pour réaliser un champs-contrechamps il faudra placer les caméras à 180° sur une ligne “imaginaire” autour des personnages.
Attention, si l’on souhaite utiliser cette technique sur un seul personnage, par exemple dans le cadre d’une interview et afin de dynamiser l’ensemble, il faudra alors respecter la loi des 30°!
#3 La plongée
Dans la plongée la caméra est dirigée vers le sol et filme alors le sujet par dessus. Le degré de plongée peut varier selon l’effet souhaité.
Par exemple, si l’on désire montrer une scène de combat dans son ensemble afin que le spectateur puisse mesurer l’immensité du chaos, il est possible de placer la caméra totalement perpendiculairement au sol et ainsi mettre en avant la dimension de la scène avant d’enchaîner avec une super scène d’action!
La plongée peut évidemment être utilisée de façon plus subtile, en plaçant la caméra légèrement au-dessus du sujet. Ce plan à tendance à rapticir ledit sujet et à rétrécir la profondeur du plan général. Le spectateur est alors en position de dominance. Ce plan peut servir à donner une impression d’infériorité, de peine ou encore de compassion.
#4 La contre-plongée
Dans la contre plongée, comme son nom l’indique, la caméra sera orientée vers le haut et filmera le sujet par dessous. À l’inverse de la plongée, cette prise de vue donne une impression de dominance au sujet et aura tendance à le grandir.
Comme dans tous les domaines, la variation est la clé, cependant attention à ne pas en faire trop. Il est important de varier les plans toutes les x secondes mais pas forcément de prise de vue.
On ne toucherait pas à un nouveau concept là? L’utilisation des plans de coupe !
4. Les plans de coupe, le b-roll
Le téléspectateur se lasse rapidement, ce qui signifie qu’une scène doit comporter plusieurs plans courts. Une vidéo de plusieurs minutes ne peut pas rester statique, mais faire des contres-plongées toutes les 30 secondes donne le tourni. Tu l’auras compris, une vidéo dynamique demande deux angles de vue au moins, le but étant de multiplier les plans frontaux par exemple.
Les plans de coupe désignent également les scènes filmées à d’autres moments ou sous un autre angle. Ces scènes accompagneront l’intention de la vidéo. Vous l’avez compris, ils servent à dynamiser une vidéo, ils sont très utiles en interview ou pendant un plan dit “fixe”.
5. Les mouvements et déplacements de la caméra
#1 Le mouvement de caméra
Le mouvement de caméra accompagne le geste ou l’intention du sujet. L’objectif est de mettre l’accent sur l’action ou un élément précis dans celle-ci.
#2 Le déplacement de caméra
Ici le public va vers le sujet. Pour un résultat optimal, le plus important est de synchroniser exactement le déplacement avec l’individu ou le sujet concerné.
Dans des plans plus rythmés, comme dans une scène d’action, la caméra peut jouer un rôle plus important que celui « d’accompagnateur », elle peut donner le ton à la scène selon la manière de filmer, elle prendra alors un vrai rôle d’acteur dans le film.
Découvrons trois techniques de déplacement bien connues, le panorama, le zoom et le travelling. Notez qu’il est évidemment possible de combiner les techniques afin d’ obtenir un résultat en particulier.
Le panorama va respecter la direction naturelle du regard et maintenir sa position fixe. Un plan PAN filmera de gauche à droite tandis qu’un plan TILT filmera de haut en bas.
Le zoom va modifier l’angle de champs de façon tout à fait artificielle. Il servira surtout à accentuer une émotion ou une scène. Celui-ci peut avoir une vitesse variable, un zoom très rapide va donner un effet choc, appelé le “crash zoom”.
Le travelling induit un mouvement de caméra et va respecter la direction naturelle de la scène, ce qui permet au spectateur de s’y immerger.
6. C'est quoi la règle des tiers?
Si vous êtes photographe, on touche à un concept que vous connaissez déjà, la règle des tiers!
Cette règle consiste à cadrer les sujets en fonction des zones spécifiques où le regard vient naturellement se poser. Visuellement la règle des tiers découpe l’image en 3 parties verticales et 3 parties horizontales. Ces lignes créent des croisements et ceux-ci représentent les zones que le regard balaye en premier.
Vous l’avez compris, il ne faut pas systématiquement centrer le sujet mais plutôt le placer aux points d’intersections.
Vous n’allez peut-être pas vous mettre au cinéma tout de suite mais ces quelques conseils vous aideront à mieux aborder la vidéo dite “plus classique”, de façon à obtenir un rendu plus professionnel. Ainsi vous pourrez appliquer ces techniques à vos vidéos interview, Youtube, vos Tiktok, Reels Instagram, ou votre communication interne par exemple !
Vous voulez plus d’informations? La Duck team a trouvé un livre qui vous explique tout “Le manuel de survie du vidéaste”.
